“El arte es eso que nos une y nos ayuda a entendernos” – Sebastian Kole

El año 2016 estuvo lleno de debuts interesantes en el mundo de la música y uno de los que más promete para los años venideros es la canadiense Alessia Cara. Here – el sencillo que encabeza su álbum debut Know-It-All – se convirtió en uno de los sencillos más importantes del año, llegando al número uno en el conteo de Hip Hop y R&B de Billboard, consiguiendo una certificación de doble platino por la RIAA (Recording Industry Association of America) y llevando a Alessia a encabezar una gira mundial.

Detrás del éxito de Alessia hay una figura relativamente desconocida pero sumamente importante, un cantautor de Alabama que dio forma al disco y que recientemente sacó al mercado su primer EP como solista. Se trata de Sebastian Kole.

Sebastian nació en Birmingham. Sus primeras aproximaciones a la música las tuvo a través de su iglesia local, donde empezó a cantar, a tocar piano y a escribir canciones desde los 5 años de edad. En su adolescencia hizo rap y mientras cursaba sus estudios universitarios comenzó a presentarse en bares y eventos con covers y material original. Terminados sus estudios regresó a Birmingham donde siguió escribiendo música. Su primera gran oportunidad como compositor profesional llegó en 2012 cuando una canción que había coescrito con un amigo llamó la atención del equipo de producción de Jennifer López y se convirtió en Goin’ In. A finales de ese mismo año, Sebastian firmó un contrato contrato con EP Entertainment/Motown y fue allí donde empezó a trabajar con Alessia Cara. Este año las cuatro canciones de su EP debut sirvieron para musicalizar capítulos de Grey’s Anatomy, aumentando los niveles de popularidad de Kole y preparando el terreno para el lanzamiento de su álbum debut. A finales de 2015 Sebastian Kole visitó Miami Art House y nos contó un poco acerca de su vida, su experiencia como cantautor y compositor y su relación espiritual con la música y el arte.

Art House Magazine: Empecemos hablando de Goin’ In, la canción que coescribiste para Jennifer López. ¿Es cierto que habías olvidado que esa canción era tuya?

Sebastian Kole: (Risas) OK. La historia es ésta: Yo había estado escribiendo canciones todo el verano con un amigo y ésta canción fue apenas una de las muchas que hicimos. Yo no tenía la menor idea de que alguien la iba a escuchar. Así que cuando recibí esta información por correo electrónico mi reacción fue como “¿Qué? ¿De qué canción están hablando?” Y cuando me enviaron el MP3 recordé de qué canción me hablaban. Yo solo estaba escribiendo con mi amigo para divertirnos, así que la noticia me tomó por sorpresa.

AHM: ¿Es cierto que escribiste tu primera canción a los 5 años de edad?

SK: Sí, es cierto. Se llamaba God Is My Inspiration y he estado escribiendo canciones desde entonces. De niño solía meterme en muchos problemas y mis padres eran muy estrictos; así que pasaba mucho tiempo en mi habitación y tenía mucho tiempo para cantar. Cuando me cansaba de cantar canciones de otras personas empezaba a hacer pequeñas canciones propias, ¿sabes? Así que escribo canciones desde niño. Eso sí, me convertí en un compositor profesional mucho más tarde. Tenía casi 30 años cuando firmé mi primer contrato editorial.

AHM: Entonces la iglesia jugó un papel determinante en tu proceso inicial como músico.

SK: Definitivamente. La iglesia era uno de los pocos lugares a los que podía ir. Como te dije, crecí en un hogar muy estricto así que no iba a clubes ni lugares por el estilo, entonces la iglesia era el único lugar donde podía tocar y expresarme. Había una verdadera cultura musical allí, ¿me entiendes? Y nadie te juzgaba, ni te sentías raro por tocar piano o por tocar batería. Así que la iglesia es muy importante para mí. Aprendí muchísimo acerca de la música y el canto en ese lugar.

AHM: Y en algunas regiones del sur de Estados Unidos la iglesia es el mejor lugar para hacer música.

SK: ¡Si! No conozco otro lugar donde puedas tocar así. Cuando estás en Alabama no hay clubes de jazz, pero hay muchas iglesias y si puedes tocar algo ellos te ofrecen un lugar para hacerlo.

AHM: En una entrevista en 2012 dijiste “uso mis pequeños objetivos para construir un éxito más grande y ese eventualmente se convierte en mi nuevo objetivo”. Lo que lograste con Alessia Cara es un paso adelante comparado con el éxito que tuviste con J-Lo. ¿Qué sigue ahora?

SK: Bueno, estoy a punto de lanzar un álbum y eso me tiene muy emocionado. El álbum se llama Soup y espero que salga al mercado el año que viene. Aunque realmente no soy un soñador, no pienso mucho en el futuro. Trabajo en el momento, en el ahora, y me aseguro de estar haciendo lo mejor que pueda en este momento. A eso me refiero cuando digo que voy juntando logros pequeños. Si vengo aquí y trabajo en una canción quiero hacer lo mejor, poner todo de mí para que sea la mejor canción posible. Simplemente me pregunto: ¿Esto fue lo mejor que pude hacer hoy? Y siempre hago lo mejor que puedo. Y es así como un día te levantas y recibes una llamada telefónica y te dicen: “Hey, oímos algo que hiciste hace unos meses y estamos interesados.”

Algo así fue lo que pasó con Alessia. Nos juntamos y le pregunté: ¿Qué estás pensando hoy? Simplemente empezamos a trabajar y cuando menos lo pensamos el álbum estaba listo. Espero que haya sido lo mejor para ella. Es como una hermana menor para mí.

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AHM: Y el resultado del disco es muy honesto. Cuando oí el disco me recordó muchas cosas de mi propia adolescencia.

SK: Sí, es cierto. Incluso siendo un adulto a veces me siento incómodo en algunas fiestas. Realmente quería transmitir ese sentimiento en la canción (Here) y cuando ella me contó su historia pensé: “Nadie escribe una canción sobre pasarla mal en una fiesta, pero eso es lo que ella está sintiendo hoy y yo he estado en esa situación. Así que perdónenme si no me divierto, voy a estar aquí parado junto a la pared.”

AHM: En algún momento hiciste rap. ¿Cómo afectó eso tus habilidades como compositor?

SK: (Se ríe estrepitosamente) Sí, sí. Alguna vez estuve rapeando. OK, de nuevo… crecí en una casa estricta y lo más cerca que estuve de hacer rap fue cuando el gospel rap llegó a Alabama. Esta fue una de las primeras veces en las que terminé algunas canciones y arreglé un set para presentarme en vivo por mi propia cuenta, por fuera de la iglesia. Como artista fue mi primera experiencia en un escenario, sintiendo al público y como escritor de canciones me enseñó un montón porque tuve que ir a oír canciones exitosas y preguntarme cómo lo lograban, cómo lo hacían. Así que aprendí mucho de ese proceso y escribí canciones muy muy muy malas (risas).

Mucho tiempo después, cuando me mudé a Los Ángeles empecé a preguntarme si quería ser un cantante o si quería seguir rapeando y ahí me di cuenta de que el rap tenía una cierta melodía. Hoy puedes oír algunas cadencias de rap en las canciones de Alessia.

AHM: Cadencias y estructuras de rima propias del rap.

SK: Sí, las rimas internas son muy importantes. Muchos músicos no las usan pero a mí me gustan mucho porque añaden una textura agradable a la canción. Ahora muchas personas me dicen: “Hey, volví a oír la canción y escuché cosas que no había oído antes.” Eso es lo bueno de las rimas internas del rap, te mantienen en movimiento pero cuando te detienes a analizar la letra te das cuenta de que te dijeron algo. Y eso me gusta.

AHS: Estuve oyendo Bigger Than My Body y me encantó el mensaje de la canción. Ya nos dijiste que la iglesia jugó un papel muy importante al iniciarte en la música, pero ¿qué tanto de tu espiritualidad está presente en tu música actual?

SK: Honestamente, el lugar espiritual en el que estoy en la actualidad es tan diferente a otros momentos de mi vida y lo que estoy aprendiendo espiritualmente es algo de lo que no me puedo separar. Así que la espiritualidad está presente en todo lo que hago. Mi espiritualidad no es a quién le rezo o dónde voy, es lo que pienso, es la manera en la que proceso las cosas. Todo lo que hago viene de un lugar espiritual. Eso no quiere decir que no bebo licor o que no me divierto, simplemente quiere decir que cuando lo hago lo estoy procesando espiritualmente también.

Entonces estoy constantemente preguntándome si estoy diciendo lo correcto. No importa si es una canción sobre sexo o sobre una fiesta, ¿estoy emitiendo un mensaje con el que pueda dormir tranquilo?

AHS: Y si las cosas se dan de forma adecuada esas canciones van a vivir más tiempo que tú.

SK: ¡Sí, es cierto! Y quieres dejar una marca, ser parte de la historia. Me alegra que lo hayas dicho porque es algo muy importante para mí. Cuando te vas de un lugar no quieres que todo el mundo te olvide, como si nunca hubieras estado allí. Y cuando haces una canción esa canción va a estar hablando por ti frente a todo el mundo.

En la versión del lujo del álbum de Alessia hay una canción llamada My Song y dice: “Pasaré mi vida escribiendo mi canción y los versos que escriba hablarán por mí”. ¡Porque es cierto! Oyes una canción y no sabes quién la canta, simplemente la oyes y esa canción habla por esa persona, ¿me entiendes?

AHS: Perfectamente. ¿Qué tan diferente es escribir canciones para ti mismo y escribirlas para alguien más o con alguien más?

SK: Es muy diferente. Y la diferencia radica en que tengo un proceso similar pero no quiero simplemente escribir una canción genérica. “¡Escríbeme una canción! ¡Oh, claro, aquí está tu canción!”. Puedo hacer eso, pero me gusta escribir para esa persona o con esa persona como si estuviera escribiendo un personaje. Siempre hago la misma pregunta: “¿Qué estás pensando, qué pasa por tu mente?” Y me pongo en la situación por la que está pasando esa persona antes de empezar a escribir. Paso mucho tiempo haciendo preguntas y por eso algunas personas piensan que parezco un profesor. (Risas) Pero lo hago para poder entender lo que la gente piensa. Así, cuando esté escribiendo, puedo sonar como ellos.

Cuando escribo para mí mismo siempre me hago esas pregunta también. Y muchas veces escribo sobre cosas reales que me están sucediendo. Por ejemplo, cuando escribí Bigger Than My Body se trataba de una historia real, fue algo muy racista que me sucedió. Así que tuve que encontrar una forma de expresar ese sentimiento.

Pero cuando escribo con alguien es distinto. No encuentro una mejor metáfora, creo que coescribir una canción es como tener un hijo, es crear algo juntos. Así que mi papel al coescribir canciones es buscar qué estás sintiendo y ayudarte a expresarlo adecuadamente.

AHS: ¿Y bueno, cómo terminaste aquí en Miami Art House escribiendo con Julio Reyes?

SK: Bueno, Andrés Recio es el road manager de Alessia y cuando nos conocimos y supo que yo había escrito gran parte de las canciones de Alessia me dijo: “Te tengo que presentar a mi amigo Julio, tienen que juntarse y hacer algo… bla, bla, bla.” Y hoy sucedió.

Éste ha sido mi mejor viaje a Miami. Hago viajes de composición todo el tiempo y nunca me había sentido tan cómodo y en una situación tan amigable como en este viaje.

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AHS: Es lo que estamos tratando de hacer aquí, juntar amigos a través del arte.

SK: No sé qué es esto pero se siente muy positivo. Podría decir que es Dios, pero no sé… siento que el arte te da este sentimiento positivo, esta sensación de humanidad. Por ejemplo, yo soy afroamericano, tú eres… ¿de dónde eres?

AHS: Colombiano.

SK: OK, yo soy afroamericano, tú eres colombiano. Yo no sé nada sobre Colombia y tú puedes no saber nada sobre Alabama, tenemos muchas diferencias pero hay algo único que nos une y es ese carácter humano, esa esencia de existir aquí y ahora. Y el arte nos da una forma de expresar eso de tal manera que todo el mundo lo entienda. Yo soy un músico, un artista del sonido, pero las primeras formas de arte de las que tenemos noticia fueron pinturas en las cavernas, ¿cierto? Aunque no pueda intercambiar una sola palabra con quienes pintaron esas imágenes entiendo qué era lo que querían decir. Eso es el arte, algo único y universal que nos atrae a todos, que nos junta a todos, que nos hace entendernos.

“La música es una amante que no te permite tener otras amantes” – Alejandro Sanz

El de Alejandro Sanz es un nombre de dominio público en Europa y América Latina. Incluso las personas que no conocen su música saben quién es y lo han visto alguna vez en los medios de comunicación. Por eso sorprende un poco cuando se acerca con una sonrisa franca a las personas que lo rodean, extiende la mano con simpatía y dice “mucho gusto, Alejandro”.

Han pasado 25 años desde que Alejandro Sanz lanzó al mercado Viviendo Deprisa y a lo largo de este cuarto de siglo se las ha arreglado para mantenerse vigente y – sobre todo – curioso. La música – dice – es una búsqueda; y en esa búsqueda ha editado 10 discos de estudio, seis álbumes en vivo, ha colaborado con personajes de la talla de Paco de Lucía y Tony Bennet, ha recorrido Europa, América Latina, Estados Unidos y Asia y se ha convertido en un vocero activo de organizaciones no gubernamentales como Médicos sin FronterasSave the Children y Greenpeace. Su aporte a la cultura musical española y latina ha sido reconocida por el Ministerio Español de Cultura, la Casa Blanca y el Berklee College of Music que le otorgó un doctorado honoris causa.

Hace unos días Alejandro Sanz visitó Miami Art House y habló con nosotros acerca de su relación con la música, su amor por la guitarra, el papel de las nuevas tecnologías en la producción musical, el futuro del cantante en el panorama musical y su relación con Julio Reyes Copello con quien produjo La Música No Se Toca.

Los invitamos a escuchar la charla con Alejandro en nuestro Cuarto de Invitados:

December 31, 2016

Raniero Tazzi habla acerca de los afamados pianos Fazioli

 

Muchos fabricantes de instrumentos siguen una lógica industrial. Primero se elabora un prototipo y luego se fabrican miles y miles de copias. Pero un piano no es igual a una automóvil o a un refrigerador. Un piano es un instrumento para el arte y por eso no se debe seguir la lógica industrial para fabricarlo.” Con estas palabras Paolo Fazioli define la filosofía que hay detrás de su compañía, Fazioli Pianos, que en la actualidad es uno de los fabricantes de pianos con mejor reputación en todo el mundo.

Fundada hace 35 años, la compañía de Fazioli tiene apenas 40 empleados que fabrican poco más de 100 instrumentos al año, siguiendo técnicas artesanales, usando los estándares más altos de ingeniería para lograr el mejor sonido y utilizando un solo tipo de madera: el abeto rojo, cultivado en Val di Fieme, un bosque ubicado al norte de Italia.

En Art House Society probamos un F183 y conversamos con Raniero Tazzi, representante de Fazioli para el sur de la Florida, quien nos explicó cómo Fazioli ha conseguido elaborar una serie de pianos que seguramente darán mucho de qué hablar en los años venideros.

Art House Society: En primer lugar, ¿qué es lo que hace que los pianos Fazioli tengan un sonido tan potente y a la vez tan claro?

Raniero Tazzi: La fabricación de un piano de cola requiere de mucho compromiso en las fases de diseño y construcción y todos los detalles contribuyen a dar un carácter único al piano. Cada piano es irrepetible. No hay un piano que sea igual a otro, incluso si se trata de la misma marca y el mismo modelo. Paolo Fazioli, pianista e ingeniero, incluyó en su equipo de trabajo a algunas de las personas más importantes en la industria de fabricación de pianos tratando de inculcar una visión moderna al proceso, pero conservando un sonido característico. El piano está hecho a mano,  usando las tecnologías más modernas y manteniendo estándares ecológicamente responsables. La fábrica funciona con energía renovable y la producción de la madera es sostenible, para garantizar la continuidad en la fabricación de los instrumentos. Todo esto contribuye al sonido potente y claro del piano, pero probablemente la clave está en la tabla armónica o soundboard – elaborada con abeto rojo de Val di Fiemme – y los puentes, cuya estructura conecta las cuerdas con la tabla armónica.

Los puentes de los pianos Fazioli son únicos en la industria, una pequeña obra de arte por sí solos. Están elaborados con tres tipos de madera: arce sólido para el registro más bajo, carpe para el rango medio y boj para las teclas más agudas. Nadie más se atreve a tanto para asegurarse de que la vibraciones pasen de la cuerda a la tabla armónica con máxima eficiencia y mínima distorsión.

AHS: Fazioli ha estado fabricando pianos por más de tres décadas, lo cual puede parecer mucho tiempo para una compañía pero es relativamente poco para un fabricante de instrumentos. Durante este tiempo se han convertido en un fabricante de pianos con muy buen renombre en todo el mundo. Cuéntenos un poco acerca de cómo empezaron a ubicar pianos de Fazioli en algunas de las salas de conciertos más afamadas de Europa y Norteamérica.

RT: La respuesta es una sola: calidad. Varios pianistas reconocidos se han convertido en entusiastas de nuestros pianos después de tocar en ellos. Una vez que un pianista reconocido compra un piano de alta gama o empieza a hablar de él, empieza a aumentar la demanda en el mercado. Ha sido sorprendente cómo esta marca de pianos ha ido creciendo en un mercado dominado por dos o tres marcas tradicionales. El señor Fazioli, a diferencia de lo que hacen otras marcas, no presiona a los pianistas ni mucho menos les paga para que toquen sus pianos. El crecimiento ha sido orgánico y natural por la calidad de los instrumentos. Un verdadero caso de recomendación voz a voz.

AHS: Raniero, usted ha sido pianista y manager de pianistas durante varios años, antes de convertirse en representante para Fazioli. ¿Qué lo llevó a tomar la decisión de unirse a la compañía?

RT: Este trabajo me fue ofrecido por Euro Pianos Naples, porque conozco al señor Fazioli personalmente desde hace casi 20 años y porque entiendo bien cómo se mueve el mundo del piano clásico. Decidí aceptar la oferta por la pasión que siento por estos instrumentos. Algunas personas desarrollan un afecto especial por los Ferraris, los Lamborghinis o los caballos. Yo siento esta pasión por los pianos de Paolo Fazioli.

AHS: ¿Cuándo empezó Fazioli a utilizar el abeto rojo y cómo afectó esta decisión el tono de los instrumentos?

RT: En la industria de producción de los pianos está más o menos universalmente aceptado que la pícea o abeto es la madera más adecuada para construir el soundboard por sus cualidades de resonancia. Muchos fabricantes obtienen la madera de distintos proveedores en distintos países. Paolo Fazioli decidió que la mejor elección para sus pianos era el abeto rojo de Val di Fiemme, un pequeño bosque en el norte de Italia. Por eso nuestra producción es tan limitada. Fazioli tiene el derecho de primera elección de las maderas y lo comparte con la compañía de violines de Antonio Stradivari.

Las técnicas de diseño y construcción del soundboard o tabla armónica del piano también es fundamental y Fazioli tiene sus propios diseños y especificaciones exclusivas que sacan el mejor provecho de la madera, generando una resonancia única y un amplio rango dinámico.

MAH: En Miami Art House hemos tenido la oportunidad de tener un F183. Cuéntenos un poco más acerca de este modelo relativamente pequeño pero potente.

RT: Fazioli no fabrica pianos verticales, solo pianos de cola. La F viene de Fazioli y el número que le sigue se refiere a la longitud en centímetros. Se fabrican seis tamaños: F156, F 183, F212, F228, F278 y F308. Este último es el piano más largo del mundo, un verdadero monstruo en términos de sonido y apariencia. Todos los modelos son fabricados buscando el mismo carácter y tratando de adaptarse al espacio y los presupuestos disponibles. También existen modelos especiales, hechos a pedido y/o con la participación de diseñadores externos. Las variaciones de estos modelos exclusivos son sobre todo cosméticas, pero siempre están basados en la ingeniería interior de alguno de los seis modelos básicos.

AHS: La industria de fabricación de instrumentos musicales se ha vuelto de producción masiva. No solo los pianos, sino también las guitarras y otros instrumentos de madera. ¿Cuál cree usted que es la ventaja de producir menos instrumentos de mayor calidad?

RT: En casi todos los campos de producción, fabricar menos unidades es sinónimo de una mejor calidad y un control más efectivo. Con los pianos sucede algo similar a lo que sucede con los vinos. Si usted necesita producir millones de botellas debe juntar varios tipos de uvas provenientes de distintos viñedos en distintos lugares. Si necesita conseguir la mejor calidad, debe empezar a buscar reservas provenientes de un viñedo en específico donde la uva venga de un cultivo excepcional, con la exposición perfecta a la luz del sol, la altitud adecuada, el suelo correcto, el año indicado, etcétera. Esto asegura una buena calidad y – por supuesto – acarrea ciertos costos. También creo en la especialización. Si usted tiene una enfermedad seria, quiere ver al mejor especialista. Si usted necesita un piano para un principiante o para tocar ocasionalmente, está bien comprar un piano de una compañía que además haga otros instrumentos o incluso electrodomésticos y motores para botes. Pero si usted quiere un instrumento excepcional en todo el sentido de la palabra, entonces busque una marca especializada. Fazioli está especializado en pianos de gama alta. Ni siquiera produce pianos verticales o una gama media más económica de sus propios modelos.

AHS: Ustedes tienen un showroom aquí en Florida. ¿Tiene planes específicos para el mercado latino?

RT: Estamos abiertos a todos los mercados posibles, pero en particular amamos el mercado latino. El señor Fazioli es de Roma y yo vengo de Asís, a menos de dos horas de Roma. Nosotros inventamos lo latino.

“No quiero ser un artista que se queda en una zona de confort” – Juan Pablo Vega

El 2016 fue un año de renovación y reinvención para Juan Pablo Vega. Con la salida de Vicio, un EP de tres canciones, Vega demostró que sus ambiciones artísticas son mucho más amplias de lo que ya había mostrado en Nada Personal y que su carrera estará marcada por grandes apuestas y sorpresas constantes para sus seguidores.

No en vano, Juan Pablo Vega se ha convertido en un productor que marca tendencia entre una camada de artistas jóvenes y exitosos no solo en Colombia sino en toda América Latina.

A finales de año, la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación reconoció su trabajo como productor en el álbum debut de Manuel Medrano, entregándole un primer Latin Grammy; premio al que ya había sido nominado en 2014 como Mejor Nuevo Artista.

La noche del lanzamiento de Vicio, Juan Pablo Vega se presentó en Miami y estuvo conversando con nosotros acerca de sus nuevas composiciones y de los planes que tiene para su segundo larga duración.

Escuche aquí a Juan Pablo Vega hablando acerca de Vicio en nuestro Cuarto de Invitados: